Una imagen que de un poco de miedo: Incendio en el Museo de Cera de Madame Tussauds.

¡Ah, que malo es no tener tiempo para ciertas cosas!

Eso es exactamente lo que me pasa. Poco tiempo. Quizá también no muchas ganas. No le puedo dedicar lo que querría al blog, pero la verdad, me apetecía colgar algo, aunque fuera una simple foto encontrada en internet, para ser más exacto, en facebook, en la página para ser más exacto, en BELLE EPOQUE to ART DECO. The first 40 years of 20th cent -aconsejo su visita-, casi por casualidad. Aquí viene:

¿Y esto qué es? ¿Enfermos? ¿Muertos? ¿Versión vintage de Walking Dead? No, son maniquíes derretidos y/o dañados después de un incendio en el Museo de Cera de Madame Tussauds, en Londres. En dicho museo, que todavía existe y se puede -casi "se debe"- visitar en cualquier viaje un poco serio que se haga a la capital británica, hay no pocas recreaciones de crímenes y criminales, pero el lamentable y temible aspecto de estas pobres figuras dan, quizá, más miedo que las creadas especialmente para ello.

Pues nada, la próxima vez, espero que pueda escribir algo un poco más largo y en condiciones.

La dama que representaba a Estados Unidos, lady Columbia, cuyo nombre nadie recuerda.

La versión femenina del Tío Sam, perdurando como anónima estrella de cine.

El tiempo libre que tengo no me da para mucho más, así que, por el momento, haré una entrada cortita, de una web que encontré por casualidad, "Krasker talks!" -aquí, un enlace, para quien quiera visitarla-, sobre la considera actriz norteamericana no más conocida, pero sí la que, aunque sea brevemente, en más ocasiones ha aparecido en una película. Y siempre en el mismo momento: el principio. En realidad, antes todavía que eso, pues no la podríamos ver participando en ningún film propiamente dicho, sino poco antes, cuando se nos anuncia qué estudios son los responsables de lo que estamos a punto de ver.

Se trata de la personificacion de los Estados Unidos, en su versión femenina -la masculina sería el Tío Sam-, aparecida desde la I Guerra Mundial en periódicos y revistas, además de carteles e ilustraciones de todo tipo: Lady Columbia, también, en ocasiones, conocida como Lady America. Pero en determinado momento, la dama Columbia fue considerada una personificación del coloso norteamericano secundario, a medida que la iba sustituyendo un icono más moderno y poderoso, como fue la Estatua de la Libertad.

Sin embargo, en determinado momento, Lady Columbia pudo tener una segunda oportunidad de no ser olvidada, cuando los dueños de la productora de cine Cohn-Brant-Cohn -fundada en 1919- se dieron cuenta de que la gente no se quedaba con semejante nombre. Los hermanos Harry y Jack Cohn, y su socio Joe Brandt decidieron cambiárselo, en 1924, por el de Columbia, como el medio olvidado personaje. Pero también pensaron que si querían que su productora ganara notoriedad, el tener un nombre corto y pegadizo, y que sonara en algo a la población, algo ayudaría. El marketing no es cosa de hace cuatro días, precisamente.

Sin embargo, decidieron que no fuera la Lady Columbia de aspecto casi modernista, sino un personaje más moderno, en parte fusionado con la Dama Libertad, copiando -o más bien adaptando, cogiendo prestados- tanto la antorcha que iluminaba el mundo, como la vestimenta de diosa greco-latina. 

En 1934 aparecería una primera versión, pintada, pero en 1939 aparecería la que es considera la versión final, también un ilustración, sí -no es una fotografía repintada, aunque lo parezca a primera vista- más moderna y atractiva. Tanto, que duró décadas, porque, sin apenas cambios -más allá del color- duró hasta 1976. Más adelante, sufrió diversas variaciones, hasta llegar a desaparecer, sustituyendo los rayos de luz a la figura femenina.

Y ahora la pregunta: ¿quién fue la modelo para Lady Columbia? Realmente, no se sabe, y probablemente no se sepa nunca. Hay dos candidatas con más posibilidades de haberlo sido por encima de otras, que serían Amelia Baatchelor y Evelyn Venable, pero después del fallecimiento de todas ellas, de quienes contrataron y fotografiaron -para más adelante realizar la ilustración- a la modelo, y de cualquiera que conociera el tema de primera mano, tal vez acabe siendo uno de los muchos misterios de Hollywood. O no.

Una primera versión, de 1934, con un aspecto más Art Nouveau. No se sabe quién debió ser la modelo, pero no parece que fuera la misma que para la versión posterior, definitiva y más conocida.

La imagen de Lady Columbia, en blanco y negro, antes de ser coloreada y un poco más modernizada, aunque parecida a la versión definitiva.

Lady Columbia, tal como la vemos al comienzo de tantas películas, y ¿la modelo original? que posó para darle su rostro y personalidad, y de la que tan poco -o nada- se sabe aún hoy en día.

La figura con el fondo detrás, tal como la conocemos.

Los prerrafaelitas (anexo XIII): ... y las obras de Waterhouse se hicieron realidad. El trabajo de Bert Barelds.

Los prerrafaelitas han influido en la fotografía desde los primeros tiempos de este arte. Y en ocasiones, muchísimo.

Hace mucho que escribo más bien poco en el blog, por falta de tiempo, pero también un poco de ganas. Pero en ocasiones, se encuentran en la red cosas realmente interesantes. O al menos, que me interesan a mí.

Este es un caso. Se trata del fotógrafo y director de fotografía holandés Bert Barelds, que entre otras cosas -por lo visto, tiene una obra considerable- una larga serie de reproducciones fotográficas del pintor prerrafaelita John William Waterhouse. Ya en alguna otra ocasión he realizado entradas sobre fotógrafos e ilustradores que se han dejado influir -o directamente, hacer sus propias versiones de originales- de obras de esta corriente, pero en general, fue Dante G. Rossetti, el que más ha llamado la atención de artistas posteriores. Sin embargo, Waterhouse, que tanto gustó de representar su visión de personajes o hechos de la mitología griega, entre otras cosas, podría muy bien estar el segundo en la lista de lo que ahora se llamaría "influencers" artísticos del prerrafaelismo.

Y aquí, unos cuantos ejemplos, donde las fotografías de Barelds son comparadas con los originales de Waterhouse.

 

La "sirena" de Waterhouse. Las mujeres-pez fueron unas de las criaturas que más interesaron a los artistas del XIX, en Gran Bretaña y en otros países.

"Eco y Narciso", son una de esas parejas de amores imposibles o desgraciados de los mitos.

"Hilas y las ninfas", que según como se vea, se cuenta como un rapto -el del joven, a manos de las ninfas de río-, o más bien una huida de éste de Heracles/Hércules, que según versiones, era un amigo, un amante, o un dueño de Hilas, tratado como un esclavo sexual. Visto con quién se encontró en el río, creo que Hilas optó por marchar de buen grado, dejando con un palmo de narices a Hércules, y al resto de los argonautas.

La "Ofelia" de Waterhouse. Todo artista del XIX británico, prerrafaelita o no, tenía su propia Ofelia. Pocos personajes literarios han tenido tantas versiones pictóricas, a pesar de haber sido un personaje secundario. Si no fuera por estos artistas, ¿quién se acordaría, hoy en día, de ella?

"Circe envidiosa". La hechicera de sangre divina también fue uno de los personajes que más llamó la atención en el XIX. Lo de "envidiosa", le viene por un mito menor: Escila, el monstruo del que se habla en la Odesia, realmente fue una bella ninfa de la que estaba enamorado Glauco -una especie de dios menor pescador-, al que, a la vez, amaba Circe. Pero el pescador prefirió siempre a la ninfa, y la hechicera, que no podía soportar no conseguir todo lo que deseaba, decidió convertirla en un monstruo marino. Pero ni aún así consiguió el amor de Glauco. Más bien al contrario, pues la odió para siempre y, según algunos, se suicidó.

Y como no, también existe una versión de "La dama de Shalott", quizá el cuadro más conocido de Waterhouse, y otra de las musas literarias de los prerrafaelitas -y de otros, también-.

Los prerrafaelitas (anexo XII): Más influencia del movimiento en fotografía de moda o artítica.

Aunque ya no haya entradas largas, resulta muy fácil encontrar material extra sobre un fenómeno artístico y cultural eterno.

Bien, como ya dije hace poco, decidí acabar la larga serie sobre el prerrafaelismo, aunque es posible que, en caso de descubrir a algún nuevo artista que considere interesante, o algún tema largo, podrá haber alguna más. Pero otra cosa es cuando se encuentran fotografías o ilustraciones de todo tipo, o temas que no requieren más que unas pocas líneas, o algunas fotografías.

Y en eso mismo, en la fotografía, que ya en el siglo XIX, en plena época victoriana, y con el prerrafaelismo bien vivo, y dejando su impronta en el arte y la cultura de su tiempo, demostró ser muy permeable a la influencia de la pintura, y de la corriente en particular, es donde todavía se puede ver la fascinación de aquellos lejanos maestros, que todavía siguen vivos, mucho más de lo que a primera vista podría pensarse.

Pues nada, unas cuantas fotos, y la próxima vez, algo más trabajado y largo:

La modelo es la portuguesa Diana Rosa, al igual que la fotógrafa artística Mara D'Eleán, bajo el nombre artístico de Eleán'Art.

Una fotografía de moda para Vogue, de Jeff Bark, que dijo haberse inspirado en la obra de Dante G. Rossetti.

Y una fotografía -no sé de quién, ni por quién realizada- de la década de los 20, también claramente influida por unos autores que, en aquellos tiempos de vanguardias, eran considerados ya arte académico anticuado.

Y de la serie "Jardines encantados", de Paolo Roversi, con la modelo Sasha Pivovarova, y que deci haberse inspirado en el arte de Waterhouse.

Podrían encontrarse fácilmente en la red multitud de otras fotografías, de moda o artísticas, o ambas cosas al tiempo, donde la influencia prerrafaelita se puede ver, en ocasiones, de forma clara, y en otras, algo más rebuscada. O simplemente, eso es lo que cuentan fotógrafos o modelos.

Otro día, algo más largo, y no sólo tanta foto.

Algunas fotos de cuando Star Wars fue un éxito de público, pero donde ni se vislumbraba el fenómeno de masas que llegó a ser.

En blanco y negro de los 70, cuando todavía era una serie de películas que rompía moldes, pero  no se sabía si tendría tan largo recorrido.

Bueno, pues aunque no es que tenga mucho tiempo para el blog, sí que hay para alguna pequeña entrada. Al fin y al cabo, ya he conseguido uno de los retos que me propuse: llegar a las 250 entradas. Ahora me falta el segundo, que no depende de mí, que es tener 50.000 visitas, y todavía me falta para las 49.000 un poco. Así que imagino que, antes o después, todo llegará.

En este caso, una de esas cosas que se encuentran en internet, y en particular, en facebook. Fotografías de los 70, en blanco y negro, que hacen referencia a la primera trilogía de Star Wars, o como se le llamaba -y todavía se le llama, aunque menos-, "La guerra de las galaxias". Una de ellas, la primera, es del grupo de actores que protagonizó la trilogía, aunque no tengo claro si se hizo después de la primera película, o más adelante.

La segunda, más bien hace referencia a la "paternidad" de Yoda. No del personaje de ficción propiamente dicho, sino del peluche -pues era un muñeco real, nada de creación mediante ordenador, ni historias así-, que tenía un cercano parentesco con otro grupo de legendarias marionetas: los teleñecos -como se les ha llamado siempre en España-, o muppets, que es su nombre original.
Y la tercera, es de Chewbacca, el wookiee con alma humana -y ya se ve por qué-.

Aquí, Han Solo, Darth Vader -con gafas-, Chewbacca -evidentemente, el más alto-, la princesa Leia, Luke Skywalker y R2-D2. Falta C3PO, pero está el equipo casi al completo (encontrado en "The Vintage News", donde se puede encontrar un sinnúmero de curiosidades de todo tipo).

Y aquí, Luke y el maestro Yoda. Conocidos son, sus parientes terrestres, con su propio show televisivo: los teleñecos, o muppets (la foto, y muchas más, se pueden ver en la página de facebook de "The vault of retro sci-fi").

Peter Mayhew, sudando lo suyo en su papel de Chewbacca.

Y por el momento, nada más. Después de la -presunta- finalización de la interminable serie sobre los prerrafaelitas -con la que me lo pasé en grande, lo reconozco, y descubría cantidad de artistas de los que no había oído en mi vida nada, o casi nada, aunque no pocas de sus obras sí que me sonaban de vista-, poco a poco, espero, se me irá ocurriendo algo más. 

Y espero, también otra larga serie, tal vez también de temática artística.

Algunas fotografías más de Julia Margaret Cameron, de temática literaria.

Como resulta sencillo dejarse por el camino obras de un pintor o un fotógrafo, aquí algunas fotos que he ido encontrando.

Hace tiempo que escribí una entrada sobre la fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron, una de las pioneras de la fotografía, no sólo en su país, sino a nivel mundial, y un ejemplo de la influencia del prerrafaelismo -y otros estilos contemporáneos y "hermanos" suyos- en el naciente arte fotográfico.

En no pocas ocasiones, las obras no consistían, simplemente, en fotografiar paisajes, habitaciones de una casa, jardines o familiares o amigos -incluyendo famosos- del fotógrafo en particular, sino reproducir imágenes basadas en obras de teatro, poemas, hechos históricos, leyendas, o incluso, cuadros. Y en este caso, Cameron quiso representar escenas de temática Shakesperiana. Y teniendo en cuenta que ha pasado siglo y medio desde que las realizó, no dejan de ser una ventana a no sólo como se distraían los artistas de tiempos victorianos, sino también la forma en que sacaban partido a una tecnología para ellos novedosa, revolucionaria, pero que para nosotros, es auténtica arqueología.

"El rey Lear repartiendo su reino entre sus tres hijas (1872).

"La despedida de Lancelos y Ginebra -o Guinevere-" (1874), basada en relatos medievales sobre el Ciclo Artúrico, donde los personajes de la Alta Edad Media, una época oscura, donde sajones y celtas luchaban por la antigua Britania romana, se transformaban en ejemplo de reyes, reinas y caballeros medievales, de una época muy posterior.

"La muerte del rey Arturo". En aquella época, el mito de Arturo, en su versión caballeresca, había vuelto con fuerza. Y hasta ahora.

"Belleza". En aquellos tiempos, un cabello largo, suelto y ondulado era algo que cualquier mujer deseaba, y atraía a casi cualquier hombre.

"Hipatia" (1868). Dejando aparte que la filósofa de Alejandría, en aquellos tiempos, y hasta hace apenas unos años, era una casi total desconocida para el gran público, incluso para la gente ilustrada que tenía unos amplios conocimientos sobre el mundo antiguo -lo que hace casi excepcional que alguien pensara en retratarla, habiendo como había muchos otros personajes griegos, reales o mitológicos, más conocidos-, la modelo tiene de particular que es la futura pintora Marie Spartali. De origen, por lo demás, griego, por parte de padre y  madre.

Unas cuantas fotografías en color de la Grecia de entreguerras.

No se trata de la Grecia clásica, tampoco de la actual, pero sí una ventana a un país que, hace casi un siglo, conservaba una fuerte identidad propia.

Como no ando muy sobrado de tiempo, no se lo puedo dedicar al blog. Así pues, intentaré escribir alguna entrada aunque sólo sea para que haya algo de movimiento. Y mientras, acabaré como pueda la serie dedicada a los prerrafaelitas -aunque no sé cuando; cuando creo que ya llega a su fin ¡aparece un nuevo tema, un nuevo artista-, y a la escultura moderna, si bien se quedarán fuera muchas obras espectacuares, o al menos, interesantes. Pero de saber de ellas, también les dedicaré una entrada, por pequeña que sea.

Mientras, aquí unas fotografías en color -un color un tanto primitivo, pero magnífico para la época- de la Grecia, sobretodo de la isla de Creta, de los años veinte, poco después de la I Guerra Mundial, y apenas unos años después de que el país creciera por el norte a costa del desfalleciente Imperio Otomano, en las Guerras Balcánicas, o en expansiones algo anteriores (1905), que significaron la anexión de Macedonia, el Epiro, Tesalia y Creta, y tras haber recibido, tras la Gran Guerra, y la lucha que siguio contra la naciente República Turca de Ataturk, la llegada de un millón de refugiados de los territorios que anteriormente fueron bizantinos, y donde, en algunas zonas -la costa turca del Egeo-, los griegos llevaban viviendo casi tres mil años.

Fueron realizadas por el fotógrafo del Nacional Geografic Maynard Owen Williams, en un viaje a Grecia en la década de los 20, como ya se ha contado, aunque ya conocía el país heleno por uno anterior, en 1919, recién acabada la Gran Guerra. Fue el primer corresponsal en el extranjero de la revista, y entre otros reportajes, destacó el que realizó en 1923 en Egipto, en el que describía la apertura de la tumba de Tutankamon.

Una joven con el traje tradicional de Tesalia, en el norte. Quizá en esa zona septentrional de Grecia hubiera cierta influencia eslava.

Un hombre de Creta, orgulloso de su vestido, de clara influencia oriental, y su paraguas, un lujo en aquella época, y que debía usar más para protegerse del sol que de la lluvia.

Una joven limpiando maíz, cerca de la ciudad de Salónica, cuando todavía era tan judía sefardita como griega.

Un monje artista del monte Athos, autor de iconos religiosos -en este caso, San Nicolás-, influencia cultural del extinto -y para ellos casi legendario, por en gran parte olvidado- Imperio Bizantino -aunque los "bizantinos" siempre llamaron a su estado Imperio Romano-.

Un sacerdote y un monje posando al lado de un pozo de un monasterio de la isla de Corfú, en la costa occidental griega.

Un hombre de Creta, fumando una pipa de agua. Tanto ésta, como la ropa que lleva el retratado, indican una fuerte influencia turca y oriental.

Una mujer de la población de Astypalaia, una de las islas del Dodecaneso, griegas, pero frente a la costa egea turca.

Una joven de la ciudad de Candía -Heraklion, en griego original-, en Creta, con uno de los trajes regionales de la isla.

Algo posteriores esta imagen, de principios de los 30. Son dos actores, vestidos de griegos antiguos, entre las ruinas de un templo de Poseidón.

Otra fotografía de la misma época y lugar. Los actores griegos llevaban máscaras que cubrían toda la cabeza,  no sólo la cara, pero por lo demás, intentaban ir vestidos -dentro de lo que se sabía en aquellos tiempos- como supuestamente iban los griegos antiguos, aunque no se sabe bien si los de época clásica o arcaica, o los de tiempos micénicos -la "Época de los héroes", que decía Hesíodo-.

Las fotografías, menos las dos últimas, y algunas más, se pueden ver en la web dinfo.gr. Está en griego, pero si el ordenador es capaz de hacer traducción instantanea, resulta muy interesante para cualquiera interesado por la cultura griega, antigua o moderna.

La locomotora de Montparnasse: un clásico de la fotografía de principios del siglo XX.

Entrada cortita: una fotografía que llama la atención, a pesar de tener más de cien años de antigüedad.

Estas entradas cortas no están nada mal. Al menos, para mí, pues permiten hablar de tal o cual fotografía, dato o hecho histórico en cuatro líneas, y de paso, "guardarlo" en el blog. Pues algo que pasa, sí, es que, en alguna ocasión, leemos -en un libro que no es nuestro, en un periódico o revista, en una web- algo que nos interesa, pero que nuestra memoria no guarda como desearíamos. Para eso están también los blogs, cuando son nuestros: para poder guardar esas imágenes, comentarlas, escribir lo que hemos averiguado aquí y allá, y de paso, compartirlo. Y si a alguien más le interesa, bien. Y si no... bueno, pues al menos eso que tengo.

Bueno, exactamente, ¿de qué va esta entrada, o post, en cuestión? De una fotografía que vi hace ya una eternidad, no recuerdo ni donde ni cuando, y con la que me he encontrado de vez en cuando en internet. Ahora sí, he podido copiarla, y enterarme, exactamente, cuándo y dónde ocurrió el desastre ferroviario que fue fotografiado.

Se trata de un accidente acontecido en 1895. Hace, pues, más de ciento veinte años. En aquellos tiempos, sí, tanto el ferrocarril, como la fotografía, eran tecnología que enorgullecía a las gentes de aquella época, como ejemplo de hasta dónde estaba llegando la sociedad y los avances científicos, pero no eran, tampoco, inventos de última hora. Hacía ya décadas que habían aparecido, y que llevaban desarrollándose, hasta haber llegado a ser tan habituales que parecían existir desde hacía ni se sabía cuando.

Bien, pues lo dicho. Aquello ocurrió en el lejano 8 de octubre de 1895, y fue e París. Para ser más exacto, en el barrio, o más bien en la estación de ferrocarril de Montparnasse. La locomotora entró en la estación a una velocidad de entre 40 y 60 km. por hora, que en aquellos tiempos, no era poco, precisamente -teniendo en cuenta que dicha velocidad la llevaba al entrar en dicha estación, no es una vía libre, de una ciudad a otra, sin peligro, al menos en teoría, de toparse con nada ni nadie. El accidente debió ser terrible, y murió una pasajera, y otros cinco resultaron heridos de cierta gravedad, aparte del susto de todos los que iban en la locomotora y los vagones. Eso no se lo podía quitar nadie.

Y por lo visto, sacar de allá la locomotora no debió ser fácil, pues estuvo cuatro días a la vista de todo el mundo, después de que destrozara el muro de la terminal, y acabara estrellándose en plena calle. Parece que al maquinista, que de forma voluntaria fue demasiado deprisa cuando no debía porque el tren iba con retraso, aquello le salió caro, pues fue multado con cincuenta francos de la época, que no era poco, aunque no consta -tampoco hay tanta información como podría pensarse- que fuera despedido, lo que habría sido lo más lógico.

Gran parte de la información, aparte de las fotos, la conseguí en la web mashable.com, para quién quiera echar un vistazo.

Y aquí, la fotografía más famosa del accidente:

El desastre, visto a pie de calle, y desde cierta distancia. Los raíles que se ven son del tranvía, así que el accidente podría haber sido mucho peor.

Sacar aquella mole no debió ser nada fácil. En principio, lo primero que debió iintentar la policía, o quien enviaran las autoridades, fue evitar que cayera el vagón que se encontraba tras la locomotora. No se está demasiado seguro de cómo la debieron sacar de allá, porque hay poca información al respecto.

Y sí, el accidente en cuestión, también se ha visto reflejado en el cómic. Aquí, en una historia de Adèle Blanc-Sec, de Tardi.

Los prerrafaelitas (anexo IX): Más fotografía actual inspirada en los maestros de la Hermandad.

La fotografía, artística o de moda, ha encontrado un filón en el redescubrimiento del prerrafaelismo.

En más de una ocasión he comentado la influencia del prerrafaelismo e la fotografía. En realidad, dicha influencia fue tan temprana, que los primeros fotógrafos, tanto aficionados pero reconocidos, como profesionales, que desaron ir más allá del puro retrato por encargo, o de las fotografías realizadas para periódicos, o de naturaleza histórica -más bien, serían históricas con el paso de los años- o antropológica o costumbrista, tomaron a los artistas de la Hermandad, o que recibieron influencia directa de ella como modelos a imitar, o al menos, tomar prestadas sus ideas y puntos de vista.

Hoy en día, en que la pintura en lienzo -al óleo, acuarela...- o al fresco -murales, aunque estos no acostumbran a ser pintados de esta forma, por lo mal que se conservan con el paso del tiempo- ha caído no ya en la decadencia, sino casi en el olvido -pocos son, los artistas de pintura figurativa, no abstracta, conocidos, más allá de un pequeño número de entendidos o fieles seguidores-, es la fotografía, otra vez, la que, volviendo la vista atrás, más que recibir influencia, más bien resucita, recuerda, reconoce la labor de aquellos hombres y mujeres y sus obras, tan olvidados, unos y otras, por este mundo moderno.

Aquí, algunos ejemplos. En parte, es fotografía artística, sin más, pero en la mayoría de los casos, se trataría de fotografía de moda, donde se aprovecha el buen hacer de los maestros del XIX para presentar ropa, joyas, o incluso peinados o maquillajes, que también beben de los de aquellos tiempos.

La "Venus Verticordia" de Rossetti, originalmente con Jane Burden/Morris de modelo. La fotografía es de John Knight.

La Circe de Waterhouse, que retrató en más de una ocasión, y con aspecto y vestimenta distintos, tal vez porque la visión que tuvo el autor del personaje fue variando. Sin duda, la hechicera de sangre divina debió fascinarlo, tanto como a otros artistas de la época (colección Bijoux; fotógrafo: Eih).

Pandora, según la mitología griega, la primera mujer, con el cofre -o caja, como se le llama popularmente- de la que saldrían todos los males. También de Rossetti (1869), y también con Jane Burden/Morris de modelo.

"La Ghindarlatta", también de Rossetti. Sin duda, en retratos de mujeres con raíces mitológicas o literarias, él se lleva la palma. Y también a la hora de ser homenajeado o, directamente, copiado. La fotografía es de Hannah Palmer, y en este caso, no he tenido ni que buscar el original.