martes, 19 de enero de 2016

Los prerrafaelitas (XXIX): el lenguaje secreto de las flores de la Época Victoriana, y el prerrafaelismo.

La forma en que los prerrafaelitas utilizaron el lenguaje floral de su época para comunicar. O simplemente para adornar sus obras.


En lugar de hablar de autores, hacerlo de sus obras, o de los detalles que se ven en ellas.



En este caso, debo decir que me he basado, y no poco, en un artículo de la web de temática artística "Hyperallergic" -para quien quiera entrar en ella, pongo aquí un enlace-, escrito por Allison Meier, en que se hablaba, al mismo tiempo, del lenguaje secreto de las flores de los tiempos victorianos -en realidad, no tan secreto, si ha llegado hasta hoy en día sin problemas, y si en su época era relativamente conocido-, y de cómo los artistas prerrafaelitas lo utilizaron en sus obras. En ocasiones, de forma clara, como parte de la historia que querían contar. En otras, como un detalle secundario, pero con sentido propio. Y en ocasiones, quizá, resulta difícil descubrir qué pinta tal o cual flor porque, simplemente, el autor le apetecía pintarla, sin más. Así pues, lo que parecen ser, simplemente, un embellecimiento floral, puede ser, también, un código que hay que saber leer, como mucha gente sabía hacer, cuando los artistas presentaban sus obras en público.
Aquí, pues, algunas flores, con un ejemplo de cuadro en que es retratada cada una de ellas, y el significado que tienen, y el sentido que podrían tener -no por fuerza- en la obra de la que forman parte:

"Canción de amor", de Edward Burne-Jones, donde las flores son tantas, que muy bien podrían ser, básicamente, representación de la belleza, más que querer transmitir un sólo código en particular.


Amapola:

Dante Gabriel Rossetti y Henry Treffry Dunn, "Lady Lilith" (1867), de la acuarela y gouache sobre papel, 20 x 16.3 17 16.5 pulg. (Cortesía del Museo Metropolitano de Arte, el Fondo de Rogers, 1908)
La acuarela "Lady Lilith" (1867), de Dante Gabriel Rossetti.

En la esquina inferior del cuadro, en un vaso, se ve una amapola, que lo mismo puede significar imaginación y sueño eterno -¿la muerte?-, como el placer. Rossetti también escribió un soneto, pues también fue poeta, que acompañó al cuadro durante su presentación en público, donde se decía que la rosa -amor, en su sentido más amplio- y la amapola eran las flores preferidas de la joven retratada.
Otros significados podrían ser:  el reposo -que no tendría por qué ser sinónimo de sueño-, y la tranquilidad, aunque Rossetti, seguramente, pensaba más en el placer y el amor que en la calma.




Vellorita, prímula, o flor de primavera:

Edwin Long, "Las Hijas de Nuestra Empire Inglaterra. La primavera" (1887), óleo sobre lienzo (a través de Yale Center for British Art)
"Las hijas de nuestro imperio: Inglaterra. La flor de primavera/ prímula" (1887), de Edwin Long. No se trataría, realmente, de un prerrafaelita, pero sí de un contemporáneo suyo, pues era un academicista tanto de temática bíblica, como orientalista, pero aquí usa la prímula -primrose, en inglés- para transmitir algo más que un simple adorno flora.

El significado varía según el color, pero cuando es amarilla, como en el cuadro de Long, simboliza la juventud, y el amor joven en particular. De ahí que el autor la utilice, simbolizando tanto la juventud de la muchacha, como la que, se supone, tenía la Inglaterra que ella personifica, que en aquellos tiempos, se había convertido, formando parte de la Gran Bretaña -pero con más peso que el resto de naciones británicas- en la gran superpotencia mundial de la época.


Narciso:

Dante Gabriel Rossetti, "Veronica Veronese" (1872), óleo sobre lienzo (vía Wikimedia)
"Veronica Veronese" (1872), también de Dante Gabriel Rossetti. Se trata de un óleo sobre lienzo.

Los narcisos -en la parte inferior a la derecha, de color amarillo- podrían representar el amor no correspondido -un tema que resultaba especialmente atractivo para los pintores del XIX, y no sólo para los reconocidos como románticos-. También a la caballería -la protagonista sería una joven de tiempos renacentistas, o tardomedievales, y la pintura tiene influencias de la Veneciana de aquellos tiempos, o no muy posteriores; el que hubiera algún caballero en la mente de la chica es algo fácil de suponer-. Otra flor, la manzanilla, que se encuentra en la jaula del pájaro -en la parte superior, a la izquierda-, vendría a significar, dando explicación completa a la situación personal de la protagonista, la capacidad de levantarse y resistir ante la adversidad.


Flor del manzano:

Otra vez Rossetti -con toda seguridad, uno de los pintores que más y mejor conocía y usaba el lenguaje floral de la época-: "Una visión de Fiammetta", de 1878.

La flor de la manzana, o del manzano, podría significar buena fortuna, o la promesa -o deseo- de que el futuro traiga mejores cosas que el presente. Rossetti utiliza a la protagonista de un poema del renacentista italiano Giovanni Boccaccio, que conocía bien, rodeada de esas flores en particular. El escritor le daba este nombre, "llamita o pequeña llama", en italiano, a una musa cuyo nombre real -pues sí que se sabe de su existencia- no se conoce. Con toda seguridad, un amor imposible. De ahí la flor del manzano: Boccaccio seguramente esperaba que, algún día, que no llegó, la Fiammetta de sus sueños acabara siendo su amor correspondido.


Margaritas:

John Everett Millais, "Ophelia" (1851), óleo sobre lienzo (a través de la Tate Britain)
La Ofelia de John Everett Millais (1852), fue, quizá, la primera gran obra del prerrafaelismo, y una de las más conocidas y representativas -también hoy en día-. La muerte de la protagonista, acogida, más que engullida, por la naturaleza.

Al pintar a la Ofelia de "Hamlet", de Shakespeare, quiso que el marco que rodeaba a la desgraciada protagonista fuera un mar de flores, como si adornaran una tumba formada por el río, y la naturaleza al completo, y donde las margaritas tendrían un peso principal, que lo mismo simbolizaban la inocencia y la pureza, como algún tipo de despedida -la que ella al mundo, o la que, inconscienteente, el espectador querría darle a ella, al estar a punto de abandonarlo, como si no fuéramos a verla más.





Flor de espino:

"La seducción de Merlín" (1874), de Edward Burne-Jones, donde el mago parece engullido por las interminables y floridas ramas de espino, aparentemente inmunes a su magia.

El espino, o más bien la flor del espino, simbolizaba la esperanza, pero también era considerado un amuleto contra la magia, blanca o negra. Burne-Jones lo usa, precisamente, para representar eso. Como el arma que usa la Dama del Lago para hacerlo suyo, sabiendo que su magia es contrarrestada por la abundancia de flor de espino.




Rosas:

Tambien de Rossetti, la sanguina "Jane Morris; un estudio para 'Mariana'".

En aquella época, como en esta, la rosa es símbolo de amor. De todo tipo de amor, dependiendo siempre del color: desde el blanco de la pureza -o inocencia-, hasta el burdeos de la adoración inconsciente, lo que sería el amor imposible, contraproducente. En el florero del estudio de Rossetti, pues no se trata de un cuadro para exponer, sino de un primer intento, en sanguina, son de color rosa. Rojo sería, principalmente, amor pasional, incluso sexual. El rosa se usaba para agradecer un favor importante: el que Jane Morris hizo a Rossetti al hacerle de modelo, muy probablemente.







Flor del azafrán:

William Blake Richmond, "Venus y Anquises" (1889-90), óleo sobre lienzo (a través de Walker Art Gallery)
"Venus y Anquises" (1890), de William Blake Richmond. Fue un pintor y decorador de corte academicista, con gran influencia del arte clásico y renacentista, que pudo admirar y conocer en persona durante su viaje de juventud por Italia. 

La flor de azafrán simboliza la alegría en general, y la de la juventud -por lo que viven en esa época de la vida, y por lo que todavía les queda por vivir- en particular. Por eso, William Blake Richmond incluye esa flor como protagonista vegetal entre las flores de primavera que rodean a Venus, la Afrodita griega, y a Anquises, padre del también troyano Eneas, "padre" del pueblo romano.



Madreselva:
Dante Gabriel Rossetti, "Venus Verticordia" (1868), óleo sobre lienzo (vía Wikimedia)
Dante Gabriel Rossetti, y su "Venus Verticordia" (1868).

Tras la diosa del amor, el matrimonio, pero también del goce sexual, Venus-Afrodita, se ven gran cantidad de rosas -flor del amor y del deseo-, mientras que en primer plano, en la parte inferior, se observa la madreselva, representando la dulzura y el vínculo del amor entre dos personas. Una y otra flor, son, o podrían ser, perfectamente complementarias.



Acónito venenoso:

Por último, de nuevo Dante G. Rosseti: "Ghirlandata", de 1873.

El acónito venenoso, con sus flores azules, representa una alerta ante un peligro que puede aparecer en cualquier momento. Aquí, se encuentra a los pies del arpa de la joven, rematado con la madreselva, seductora en su dulzura, y las rosas, que simbolizan el amor en sentido amplio. Rossetti, en su "Ghirlandata" debía querer, pues, representar una mezcla de sentimientos que se pueden encontrar, al tiempo, a lo largo de la vida. Todo, en un solo cuadro.

viernes, 15 de enero de 2016

Trentham Estate, y sus estatuas de seres fantásticos.

Hadas de metal en un jardín italiano de Inglaterra, apenas visitado por turistas extranjeros.


Entrar en un parque, haciéndose a la idea de estar en otro mundo.

Trentham Estate es, más que unos jardines públicos, un gran parque, que se encuentra cerca de la población del mismo nombre, Trentham, pero formando parte del núcleo urbano de Stoke-on-Trent, en el condado de Staffordshire -muchos de los condados ingleses, que serían el equivalente a provincias, porque lógicamente ya no los gobierna un conde, acaban en -shire-. En principio, no debería ser algo especial, pues en Gran Bretaña, prácticamente toda población de mínima importancia tiene su parque o jardín público, o privado pero abierto al público -aunque sea previo pago-, así que Stoke-on-Trent, que a pesar de formar parte de un municipio mayor que no lleva su nombre, Stafford, tampoco es, precisamente, un pueblecito.
Lo que lo hace diferente es que el parque, Trentham Estate, o TE, para abreviar, no consiste solamente en un espacio ajardinado, con edificios antiguos bien conservados -o renovados-, y con gran variedad de árboles, flores y plantas menores -no pocos de esos parques, en su momento, fueron, y siguen siendo, jardines botánicos, donde el aspecto lúdico se entremezcla con el educativo-, sino porque está adornado con gran número de estatuas, casi siempre de hadas, o de algún tipo de seres fantásticos cuya naturaleza o aspecto externo  cada uno es libre de imaginar como quiera.
La finca pasó de ser, primero, un señorío real -finales del siglo XI- a un priorato, con su correspondiente convento, hasta que la reforma anglicana -aunque, más que reforma en sí misma, fue un cambio de iglesia oficial por parte de los monarcas ingleses- acabó con el poder de los monasterios.
En el siglo XVI la adquirió James Levenson, un comerciante de lana, y su familia la ocupó durante siglos, donde construyeron, primero, una casa de estilo isabelino, y más tarde, otra de estilo georgiano, ya a finales del siglo XVII. Una vez que los Levenson consiguieron ennoblecerse -fueron duques- la casa fue creciendo, hasta transformarse en una mansión, ya entrado el siglo XIX.

Trentham Hall -ya se llamaba así la finca- en la década de 1820. Durante ese siglo, todavía habría de ampliar más su tamaño.

La vivienda en la década de 1880, ya ampliada, con tres pisos y campanario propio.

El desvío del río Trent,, que significó la demolición de la sala y parte del edificio hizo que se hiciera cada vez menos habitable. Se ofreció de forma gratuita al ayuntamiento en 1905, y la familia, ya conocida como duques de Sutherland, la abandonó dos años después. Como el pueblo no quería hacerse cargo de una edificación todavía grande, pero difícil de aprovechar -a pesar de que gran parte de ella todavía seguía en pie-, el duque decidió tirar abajo la antigua vivienda familiar, si bien los jardines, con sus bosques y su lago, sí fueron primero aceptados por el pueblo Stoke-on-Trent, sino que, pasado el tiempo, se transformaron en un parque público.
Pero no todo acabó demolido. Las esculturas, la iglesia parroquial -en realidad, de la familia, el servicio y los visitantes-, y la torre del reloj fueron conservadas, y hoy en día, siguen formando parte del parque de Trentham Estate.
Aún así, los sucesivos ayuntamientos hicieron poco por aprovechar el legado de los Shuterland, y todo se encontraba abandonado, y en estado calamitoso, hasta que una empresa privada lo compró en 1996, restauraron los edificios y recuperaron los jardines, y se empezó reconstruir parte del antiguo edificio, principalmente, la gran entrada y el llamado Naranjal. La torre del reloj se mantiene, de nuevo, en perfecto estado, y las esculturas fueron revisadas, restauradas y protegidas, y finalmente, se abrió al público pagando entrada -aunque sólo fuera por el fuerte gasto que significa el conservar la finca y todo lo que contiene, aparte, claro está, de sacar algún beneficio económico-, a lo que siguieron las nuevas estatuas, realizadas en metal. Pero no son estatuas de bronce o hierro fundido. Se trata de estatuas de estilo más moderno, alternativo, y son multitud de piezas o finos alambres que, dando vueltas y vueltas, van tomando forma, hasta crear seres en que metal y aire se entremezclan, como si fueran apariciones en medio del bosque. Tratándose de uno antiguo parque italiano -todavía, en el siglo XVI, no existían lo que luego se llamarían jardines franceses o británicos-, los propietarios decidieron que no se transforma en un parque temático o de atracciones con mucho movimiento, pero también ruidoso, sino un lugar más tranquilo, donde se pudiera pasear de forma sosegada y silenciosa, aparte de comer o descansar. En un futuro, para aumentar el espacio forestal, se plantarán miles de robles nativos.

Trentham Hall remains
La torre del reloj, vista desde lejos, entre flores y árboles que parecen querer engullirla. O protegerla.

A fnales de 2008, se instaló una noria transportable, para que los turistas pudieran tener, subidos a ella, una visión aérea de los jardines, la finca, y las afueras de la ciudad vecina, pero fue retirada al año siguiente. Quizá, demasiado moderno, o ruidoso, para el tipo de instalaciones que formaba el parque, o demasiado cercano a lo que sería una feria de atracciones.
Aún así, respecto al Hall -la gran entrada- y el Naranjal, resultaba tan caro el reconstruirlos, para hacer con ellos un gran hotel con spa incluido, que se ha decidido, por el momento, dejarlos como estaban. O sea, en ruinas. 
No sólo el proyecto del hotel quedó en nada, ni la noria duró poco tiempo. Fue espacio para salón de baile, y para paracticar el ciclismo de montaña, pero sólo en determinados momentos de su historia. Actualmente, ni lo uno ni lo otro, pero teniendo en cuenta las posibilidades del lugar, no sería extraño que volvieran, o se propusieran otro tipo de actividades. Hoy en día, lo que sí funciona es una especie de reserva de fauna salvaje, pero no de todo tipo de animales, sino, particularmente, de simios. Algo que, por lo visto, ha tenido gran éxito, sobretodo entre los niños.




Una de las figuras más conocidas, y más espectaculares: un ser primordial, agarrado a un diente de león, que se deshace poco a poco al viento.

Otra de las "Hadas de Trentham", una de los mayores atractivos del parque.





Otras de las muchas hadas del parque.

Perseo y la medusa, estatua más antigua que las hadas, de tiempos de la familia Shuterland.

Una visión aérea, a baja distancia, de la zona central del parque, con su fuente.

Otra estatua moderna. Que cada uno le saque el significado que quiera.


Una casita en el bosque. ¿Una vivienda-agujero hobbit? La influencia de la obra de Tolkien es profunda, en la cultura popular británica.

Una visita inesperada.

La fuente, vista de cerca.


Lo que queda de la antigua mansión -la gran entrada-.

sábado, 9 de enero de 2016

Persépolis, la capital de los Aqueménidas, dueños del mundo antiguo.

El pasado y presente de la ciudad palaciega desde donde los soberanos persas gobernaban multitudes y enormes territorios.


La capital del primer imperio que aspiraba a ser universal.


Persépolis, hoy en día, es más conocida por dar nombre al cómic -y posterior película- de Marjane Satrapi, que por haber sido, hasta hace unos  veintitrés siglos, la capital del mayor imperio que existió en su momento, hasta que fue conquistado en su casi totalidad por Alejandro Magno. Persia, como estado mundial, empezó con Ciro II, que también fue llamado el grande, como Alejandro, el hombre que realizó la hazaña de adueñarse de él en cuestión de unos pocos años. Y a saber dónde habría llegado, en caso de no haber muerto con apenas treinta y tres años. Fue él mismo, que respetó otras ciudades, mucho más antiguas, el que, precisamente, acabó con Persépolis. Pero mejor empezar por el principio.
Por usarse, en Occidente -y con toda seguridad, también en gran parte del mundo donde alguien la conozca-, ni tan siquiera se usa su nombre real: Pars. Persépolis es un nombre griego, y significa, simplemente, ciudad persa -o de los persas, según como se quiera traducir-. Sin embargo, a partir de Pars, los griegos, y después todos los occidentales, acabaron usando el nombre de Persia para referirse al país, y persa para su lengua y sus habitantes. En el idioma de éstos, su país se llamaba Fars, y su lengua farsi. Pero desde que Reza Khan, el primero de los dos únicos shas de la dinastía Pahlevi, cambió el nombre de su tierra por el de Irán -país de los arios-, Fars pasó a ser sólo el nombre de una provincia. Justamente, donde nació Persia, como pequeño reino vasallo del Imperio de los Medos -no se sabe bien si dependiente pero con cierta soberanía, o como un territorio autónomo, pero incorporado al imperio-. Ciro II, el Grande, fue el que no sólo sometió Media, sino también el Nuevo Imperio Babilonio, Lidia, a los pueblos al este y norte de Persia y Media. Si no conquistó también el Egipto Saita -lo hizo su hijo Cambises- fue, simplemente, por falta de tiempo.

Los estados que sometió Persia. En amarillo, el Imperio Medo, donde Persia debía ser, o un territorio autónomo gobernado por una dinastía autóctona vasalla -los Aqueménidas-, o un pequeño reino independiente, pero con soberanía limitada. En verde, el Egipto de la dinastía Saita -la última autóctona que tuvo el país, excepto algún período de independencia muy corto, tras rebeliones contra los persas-. En rosa, el nuevo Imperio Babilónico, donde gobernó Nabucodonosor II, y sometió Israel. Y en naranja, el reino de Lidia, muy helenizado, gobernado por soberanos tan ricos como Midas y Creso -sus nombres serían sinónimo de riquezas fabulosas-, y donde, como no, se cree que se empezó a usar por primera vez monedas. Ciro y Darío, además, someterían a muchos pueblos de Oriente -indios, partos, sogdianos, bactrios- y el sur del Cáucaso -armenios, albaneses de lo que ahora es Azerbaiyán-, a Cilicia -sur de Anatolia-, a los griegos de Jonia -oeste de Anatolia, frente al Egeo-, y en Europa, a Tracia -o al menos, la zona costera- y Macedonia -por muy poco tiempo-.

El Imperio Persa en su máxima extensión -con Darío I-. Además de las satrapías, o provincias, existían estados o pueblos vasallos, como varias confederaciones tribales árabes, o, al sur de Egipto, los kushitas -o nibios- más septentrionales y "egipcianizados". En un gran frisio de la Apadana, donde se ve un larguísimo desfile de pueblos del imperio, también aparecen, tanto kushitas, como árabes, lo que demuestra que, aunque no formaran parte íntegra de él, sí tenían gran dependencia. No se sabe si los Aqueménidas llegaron a tener influencia política intensa en el sudeste de Arabia, en lo que ahora serían Oman y los E.A.U, que ellos llamaban Maka, aunque sería muy posible.

Pero Cambises murió, tal vez asesinado, tal vez por mala suerte, mientras intentaba acabar con una sublevación -tal vez, más bien, un intento de golpe de estado-, y el poder pasó a Darío I -¿un primo lejano suyo, de la misma dinastía?-, que decidió comportarse como un auténtico rey de reyes, el título de los soberanos Aqueménidas -dinastía de la que se sentía no sólo parte, sino orgulloso de ello-. 
La historia del Imperio Persa Aqueménida sería larga de contar aquí, por eso es, que tan poco he hablado de ella -se podría, sí, pero como es debido-, así que paso a centrarme en una de sus capitales. Las otras fueron Susa, al este de Mesopotamía -antiquísima; los sumerios ya la sometieron y combatieron contra ella-, Ecbatana -antigua capital de los medos-, Pasargada -fundada por Ciro el Grande, y con un carácter más ceremonial- y Persépolis, si bien Babilonia también tuvo gran peso tanto económico como político y administrativo. Esta última, lo fue por Darío I, que la creo con el deseo de que fuera una ciudad palaciega. O dicho de otra forma, el lugar donde, al menos parte del año, viviría el rey de Persia, rey de reyes, junto a su familia, su harén, sus consejeros, y una guardia escogida -con toda seguridad, parte de los famosos "inmortales", cuerpo de élite de su infantería, aunque seguramente también habría caballería, arqueros...- y, no hay duda, considerable.
Como era de imaginar, Persépolis, o Pars, tendría que ser imponente, aunque el número de sus habitantes -incluyendo todo tipo de servidores, libres o esclavos, funcionarios o soldados- fuera sensiblemente inferior a cualquier otra gran ciudad de tan vasto imperio.


Reconstrucción del palacio de Darío I, y su área circundante, formando todo ello la llamada Apadana.


Crecimiento y  fin de la capital del imperio.

Darío I decidió, en el 512 a.C, iniciar la construcción de Persépolis. Probablemente, él, orgulloso de ser un Aquémenida más que sus antecesores -tal vez, por ser parte de una rama secundaria de la dinastía-, decidió que debía dejar un legado no sólo de conquistas territoriales -no tan enormes como las de Ciro, ni tan ricas como el Egipto sometido por Cambises, pero Macedonia, la Tracia, y algunas zonas fronterizas al este tampoco es que fueran poca cosa-, sino también monumental. Si Ciro había iniciado la construcción de Pasargada, en pleno territorio étnicamente persa, él, algo más al sur, fundaría Pars, la ciudad de y para los reyes. Más adelante, sus descendientes irían ampliándolo, como un Versalles de la Antigüedad, haciendo, además, que algunos de los nuevos edificios llevaran el nombre, o sobrenombre, del monarca responsable de su construcción. Jerjés I -el que luchó y fue derrotado por los griegos en Salamina y Platea, tras la famosa batalla de las Termópilas contra los espartanos- fue el que tuvo más posibilidades de engrandecer la ciudad, debido a que Persia, en sus tiempos, todavía seguía siendo la primera potencia mundial -la China de los Zhou, en aquella época, era más bien un mosaico de pequeños reinos que tenían cada vez más autonomía, dejando a la dinastía imperial gobernar sólo un pequeño territorio en el centro del supuesto imperio unido-. Los descendientes de éste -los tres Artajerjés, del primero al tercero, con Darío II de por medio, pues el cuarto fue un gobernante casi testimonial- significaron la decadencia del imperio, a medida que los egipcios no sólo se levantaron contra los persas, sino que, incluso, consiguieron ser un estado completamente independiente durante largos períodos de tiempo. Además, hubo guerras civiles -el levantamiento de Ciro el Joven, y todo tipo de rebeliones de sátrapas, que soñaban con independizarse del poder central-, y lo mismo Persia intervenía en los asuntos griegos -siempre enfrentándose entre ellos-, como los contrataban como mercenarios, llegando a ser casi árbitros a la hora de saber quién gobernaba en el imperio o las satrapías, o si alguna de ellas -sobretodo Egipto- lograba o no la independencia definitiva.

Restos de las tumbas de varios reyes persas, que también fueron enterrados allá.

Columna en forma de caballo. La caballería no tenía entre los persas la misma importancia que tendría más adelante entre los partos, cuando dominaron y gobernaron Persia -ellos eran un "pueblo del caballo, básicamente nómada hasta el dominio persa-, pero sí era un animal estimado y admirado. Con toda seguridad, los persas también debieron tener, no mucho antes de tiempos de Ciro II, un pasado de pueblo nómada, donde el caballo era parte vital de su sociedad.

Darío, muy probablemente, mandó edificiar Pars en un lugar ya habitado, aunque a él no le interesaba verse rodeado de multitudes con residencia habitual, sino empezar casi de cero. A lo largo de su largo reinado, se edificaron la terraza -la zona allanada, urbanizada y "peatonizada"-, los palacios, y la cámara del tesoro. Claro está, también se levantaron las murallas, y con toda seguridad, en el interior de éstas habría todavía un amplio espacio por urbanizar, y edificios proyectados que levantar. De cuando empezaron las obras de cada edificio, poco se sabe, pero las fortificaciones ya iban a buen ritmo en época temprana, tal vez sólo dos o tres años después de que se empezara a limpiar y allanar el solar de los primeros trabajos de edificación.
Jerjés I, que a pesar de sus problemas y derrotas frente a los griegos, fue un soberano poderoso, hizo levantar la llamada Puerta de todas las Naciones, que como su nombre indicaba, daba paso a los palacios donde residía el rey de reyes, el soberano de gran parte del mundo conocido -al menos, conocido por ellos-, el Hadish, y que debió ser impresionante.  Su hijo, Artajerjes I, no sólo no hizo disminuir el ritmo constructivo, sino que probablemente hizo llamar a un número mayor todavía de artesanos -quizá por el 460 a.C.-, probablemente, porque si bien las murallas y otros edificios no especialmente artísticos ya estaban acabados -aunque siempre había necesidad de reparaciones, o de ampliación de lo ya realizado-, tendría un mayor interés en embellecer el recinto. Además, contaba con artistas de todo tipo de culturas, miembros de numerosos pueblos, cada uno con una personalidad propia, y que podían aportar, también, un arte distinto y único: fenicios, sirios, egipcios, lidios, carios, judíos, griegos -los de Chipre, y sobretodo, los de Jonia, las colonias griegas de la parte occidental, frente al Mar Egeo, de Anatolia-, medos, armenios... Trabajadores, y no sólo los artistas o los más especializados, sino también albañiles, peones y otros obreros no especializados, que no eran esclavos, ni tan siquiera -a no ser en algún momento muy determinado- prisioneros de guerra, sino hombres libres. Algo, en aquellos tiempos, realmente extraño, lo que hace pensar que en el Imperio Aqueménida, aunque existía la esclavitud, así como la servidumbre -trabajadores aparentemente libres, pero en una situación social no muy superior a la de los auténticos esclavos-, no era una sociedad básicamente esclavista, como tampoco debía serla la civilización china contemporánea suya.
Sobre si los problemas políticos, económicos o bélicos impidieron nuevas obras, no hay gran cosa completamente demostrada -pocos documentos hay; los datos son casi siempre a partir de fuentes griegas, o incluso romanas, que en no pocas ocasiones eran de segunda mano, copiadas u oídas de los helenos-. Sin embargo, hay algunas pruebas que demuestran que sí, que hubo obras hasta prácticamente la caída del imperio bajo los soldados y caballería de Alejandro, pues se han encontrado una puerta -tal vez de un palacio de Artajerjes III, uno de los últimos reyes persas- que no había sido finalizada
.

Un león atacando un toro. Un ejemplo de los relieves de Persépolis. Ambos animales ocupaban un espacio principal en la mitología persa.

Los leones alados -y barbados- son, claramente, de influencia babilonia-asiria, pues en Persépolis trabajaron numerosos artistas y obreros de todo el imperio,  y allá, más que en ningún otro lugar, se fusionaron las influencias culturales de todos los pueblos gobernados por los soberanos Aqueménidas, pues los persas apenas tenían arte propio. Y todavía menos, un arte realmente monumental.


Una antigua fotografía de las ruinas de Persépolis, datada en 1923.

Antes de su destrucción, la ciudad debió ser imponente, con sus palacios, la Apadana -la sala de audiencias construida por Darío, y utilizada por sus sucesores, que incluía su propio palacio, escaleras, y una sucesión de figuras grabadas en la parte externa de dichas esaleras, donde se representan a todas las naciones dominadas por los persas-, los bosques de columnas, estatuas de leones y toros, frisos con combates contra fieras, soldados, monarcas o batallas, o inscripciones en persa antiguo -normalmente, reproduciendo con exactitud las palabras de los mismos reyes persas, sobretodo de Jerjés I-... todo aquello no sólo se construyó a mayor gloria de los soberanos que allá vivían parte del año, sino también para admiración de los visitantes. Sobretodo, para los embajadores de esa "puerta de las naciones" que hizo construir Jerjes.


Alejandro, protector de las ciudades antiguas, destruye Persépolis.

En 330 a.C., Alejandro llega a Persépolis. Allá, saquea los palacios, y se instala temporalmente, donde, aparte de celebrar fiestas y victorias con sus comandantes, proyecta nuevas expediciones, y cómo iba a conquistar lo que quedaba del Imperio Persa. Entre otras cosas, deseaba capturar con vida al rey persa, Darío III, aunque finalmente no podría hacerlo, por ser asesinado por algunos sátrapas que, a cambio de, supuestamente, hacerle un favor al conquistador macedonio, esperaban que él les permitiera gobernar sus territorios como reinos independientes -algo, que por lo demás, no les sirvió de nada, pues Alejandro los exterminó, y le dio a Darío un entierro digno de lo que era, un gran rey-.
Pero tras el primer saqueo, el conquistador del mundo ordenó hacer algo que, desde el mismo día en que aconteció, ha hecho que los historiadores del futuro -empezando por los mismos griegos- se hicieran preguntas de el por qué, y el cómo. Una noche, hizo quemar el palacio de Jerjes, y muy probablemente, gran parte, si no toda, la ciudad de Persépolis. En principio, no pocos cronistas helenos quisieron "disculpar", por decirlo así, al gran Alejandro, argumentando que estaba borracho y medio enloquecido, tras una de sus fiestas salvajes, y que, por decirlo así, no sabía lo que se hacía. Sin embargo, desde el principio, también hubo otra versión, que historiadores posteriores han encontrado como mucho más probable y lógica: Alejandro no hizo destruir las ciudades antiguas, como Babilonia, Susa, Sardes, Ecbatana, etc. ¿Por qué sí Persépolis? Simplemente, porque representaba el poder no sólo de la dinastía Aqueménida, sino de los persas como pueblo. Él, el macedonio, rey de un pequeño y atrasado reino del norte de la Hélade -en realidad, muchos griegos ni tan siquiera consideraban a los macedonios, como tampoco a sus vecinos occidentales, los epirotas, como auténticos helenos, sino más bien como reinos helenizados, o semi-griegos, como mucho-, que comandaba un ejército greco-macedonio no muy superior en número al de mercenarios del mismo origen que los persas o egipcios contrataron en tantas ocasiones, había destruido el poder militar y político de los que, en otra época, quemaron Atenas, y amenazaron con apoderarse de Grecia antigua. No sólo vengaba derrotas y destrucciones del pasado, sino que demostraba que los helenos, juntos, habían acabado para siempre con el enemigo oriental, ahora transformado en parte de un imperio que crecía a ojos vista y que, si Alejandro hubiera tenido tiempo y posibilidades, habría englobado el mundo entero. Había, pues, que destruir ese símbolo de poder e independencia de los persas y, en general, de los pueblos orientales -los medos, sogdianos o bactrios, que pudieran considerarse mínimamente unidos a ellos-, porque, en ese momento, con él, empezaba un mundo nuevo, con una cultura dominante distinta. Por tanto, ni estaba bebido, ni enloquecido, ni mostró más adelante arrepentimiento alguno. Aquello fue un plan de hondo calado político muy bien planificado.

Alejandro Magno, destructor de Persépolis. Teniendo en cuenta su esfuerzo en proteger otras grandes ciudades del saqueo sistemático, como Susa o Babilonia -otra cosa fue la fenicia Tiro, que sí fue arrasada, pero porque se le resistió con enorme energía-, parece extraño que hiciera quemar la capital palaciega. Pero realmente, resulta comprensible: era el símbolo del poderío persa, que él pretendía sustituir por el greco-macedonio.

Hay algunas pruebas que demuestran que la ciudad todavía fue habitada durante bastante tiempo, porque es de suponer que, a su alrededor, había granjas y campos cultivables, y viviendas para soldados, funcionarios, etc. Por mucho que se destruyera, y aunque ya no tuviera importancia política de relevancia -a lo sumo, capital provincial-, todavía debieron quedar suficientes edificios intactos, o material para construir nuevos, como para que allá pudiera vivir bastante gente. Sin embargo, durante los siglos de dominación primero griega -el Imperio Seleúcida, gobernado por los sucesores de Seleuco, uno de los generales de Alejandro que consiguió apoderarse de parte importante de su imperio-, y luego parta, fue a menos, hasta que su nombre, en tiempos de la dinastía Sasánida -éstos, al contrario de los partos, auténticos persas, y muy nacionalistas y anti-romanos, además- se fue perdiendo, hasta acabar sumida en el olvido, como si hubiera sido sólo una leyenda.


La ciudad vuelve a la luz.

Durante mucho tiempo, el nombre de Persépolis fue casi leyenda, y el de Pars, olvidado. Los gobernadores Sasánidas le dieron una importancia más bien pequeña, a aquel montón de ruinas, ya medio ocultas por la arena. A lo sumo, era un lugar fantasmal, donde se levantaban misteriosos bosques de columnas -"la ciudad de las cien columnas", la llamaban; después, sólo "de las cuarenta", lo que hace pensar que cada vez se reducía más lo que todavía se levantaba en pie-. Aunque hubo algunos viajeros o estudiosos occidentales -portugueses, españoles, franceses, italianos...- que debieron pasar por allá, hasta la década de los cuarenta  del siglo XIX, no se empezó a estudiar con atención las ruinas -los franceses Flandin y Coste, aunque básicamente se limitaron a visitarlas y a hacer una labor descriptiva, y a hacer dibujos y anotaciones varios-, si bien fue el gobernador Mirza de Fars, quién se tomó realmente en serio el realizar unos trabajos de arqueología a gran escala. Pasaron estudiosos, historiadores y, sobretodo, arqueólogos de carrera, de Francia, más tarde de Norteamérica -aunque realizadas por alemanes-, hasta que los mismos iraníes se lo tomaron como algo propio.

Una imagen -seguramente retocada- de las ruinas de Persépolis en una noche de luna llena.

Un suplicante ante el rey Darío I.

Sin embargo, fue un sha, un nuevo emperador, el último que tuvo Persia -llamada ya Irán, hasta la fecha-, quién decidió que las ruinas de Persépolis debían de ser recuperaas en su totalidad. Pero no por auténtico conocimiento de la historia del país, sino por pura propaganda política y nacionalista, y fortalecimiento de su poder. El sha Reza Pahlevi decidió celebrar allá, en 1971 el 2500 aniversario de, se supone, comienzo de la monarquía persa -haciendo cálculos, imagino que suponía que, más que al primer monarca, quería hacer referencia al primer emperador, o rey de reyes, Ciro II el Grande, creador del imperio multinacional-. Tras la revolución, los más fanáticos del régimen teocrático desearon -realmente, intentaron hacerlo- destruir la totalidad de las murallas, a base de excavadoras y masas de radicales, pues no deseaban que existiera en el país un ejemplo de grandeza política y cultural anterior a la implantación del islam en el país, pero el gobernador de Fars, así como los habitantes de la provincia, que no soportaban la idea de que la ciudad renacida y salida otra vez a la luz dejara de existir por la locura de unos pocos, y se interpusieron entre las ruinas y los fanáticos, hasta que el gobierno iraní entró en razón, y decidió proteger un patrimonio que era de todos, y no sólo de los iraníes.

Reconstrucción de la Apadana, según el arqueólogo y dibujante francés Charles Chipiez.

El ser considerada Patrimonio de la Humanidad le da un realce, y una obligación de protección nacional e internacional de la que antes no disfrutaba, aparte de impedir obras de reconstrucción que, en manos de según quién, podrían ser, como mínimo, discutibles -el caso de Babilonia, "reconstruida" en tiempos de Sadam Hussein sería un ejemplo cercano en lo geográfico-. Pero el hecho de que la República Islámica no es, aún hoy en día, un destino turístico reconocido, hace que todavía sea poco conocida como espacio monumental a visitar, aunque nunca se sabe, qué puede guardarle el futuro.
Persépolis ha estado esperando siglos para volver a enseñar, al menos, una pequeña muestra de su grandeza. Unos cuantos años más no deben ser nada para ella.  

martes, 5 de enero de 2016

Los prerrafaelitas (anexo III): Una nueva versión de "La dama de Shalott" de Waterhouse.

Corrado Vanelli, y su visión de la dama del poema de Tennyson.


Debido a que estos días no dan mucho tiempo para ciertas cosas, incluyendo dedicarse a escribir en un blog, después de varias entradas en diciembre, este año no me he estrenado hasta hoy, y con una muy corta. En realidad, en esta larga lista de post dedicados a la Hermandad y sus seguidores varios, he optado por lo que llamo un anexo, que sería una entrada corta, que en lugar de dedicarla a la vida y obra de un pintor -o escultor, o poeta; la última era, precisamente sobre dos de ellos-, más bien sirve para enseñar algunas obras de algún artista ya comentado, pero que se quedaron sin añadir a la entrada original, o para cualquier comentario corto. Y como de autores ya no quedan tantos, tal vez empiecen a ser más abundantes.
En este caso, este anexo está dedicado a una obra del ilustrador italiano Corrado Vanelli, que si bien se dedica a dibujar -con ayuda de su ordenador, pero según cuenta él mismo, empezando siempre con algo tan simple y clásico como el papel y el lápiz- básicamente temática entre fantástica, ciencia-ficción y gótica -o algo que me parece gótico; los entendidos en el tema sabrán decir, mejor que yo, si es así o no-, también tiene tiempo para visitar artistas del pasado. En este caso, a la obra "La dama de Shalott", de John William Waterhouse, que a su vez se inspira en el poema de Alfred Tennyson del mismo nombre. Y tras ella, la obra original del pintor, para que puedan compararse. Encontrar influencia directa del movimiento en el arte actual -o posterior en décadas a las últimas obras prerrafaelitas- no es demasiado fácil, pero tampoco, en absoluto, imposible, si bien es cierto que el modernismo o el simbolismo, por nombrar dos corrientes posteriores, que siguieron al prerrafaelismo cuando ya estaba empezando a apagarse, resultan mucho más presentes en ilustradores, pintores, escultores, arquitectos -el prerrafaelismo no tenía nada que ver con la arquitectura, al menos, directamente-, etc. Pero el buscar esta influencia en la red, lejos de molestia, es algo de lo más divertido. Y facebook -donde he encontrado cantidad de grupos y páginas- es un lugar perfecto para ello. Más adelante, tal vez enumere, una vez que tenga una lista lo suficientemente larga, algunos de éstos..

La visión, o versión, de Vanelli sobre la bella pelirroja.

Y el original de Waterhouse. Sin duda, una de sus obras más conocidas. Tal vez muchos no sepan ni el nombre del cuadro, ni el del autor, pero su imagen ha perdurado siglo y medio. Y lo que le queda.

viernes, 25 de diciembre de 2015

Frank Sinatra por navidad: "Santa Claus is coming to town".

Y por segundo año consecutivo, Bing Crosby y sus invitados cantando villancicos.


Si el año pasado, David Bowie cantaba junto a Bing Crosby "El tamborilero" -en versión en inglés, se entiende, que el original no era de Raphael, aunque aquí sea la más conocida-, este me ha dado por poner nada menos que a Frank Sinatra, cantando su "Santa Claus is coming to town", o sea, "Santa Claus vuelve a la ciudad". Quizá el vídeo del programa especial de Navidad, de 1957 -¡no ha llovido nada, desde ese año!- no sea demasiado conocido fuera de Estados Unidos, más allá de alguna imagen que pueda haberse visto en televisión, pero la versión que hizo del villancico está tan unida a las fiestas navideñas, que probablemente mucha gente no se haya molestado nunca en pensar quién era el que la cantaba. Porque sí, a "La voz", cantando esto, lo he oído mil veces, y sí que, a cierta edad, me sonaba que podía ser Franky, pero no ha sido hasta hace un par de días que me he molestado realmente en buscarlo, y en colgar un vídeo que no fuera demasiado largo, pues la mayoría son del programa entero -para quién le interese verlo y oírlo, en youtube, donde también está el que sigue, es fácil encontrarlo-.



Pues eso, felices fiestas, aunque yo no sea mucho de Navidades.